Interview: Dr. Michael Bhatty

Hey Fans, Besucher und Freunde dieser Seite. Auch wenn die Chronik gerade ein wenig ruht - viele andere Sachen zu tun - so war ich dennoch nicht untätig. Ich habe ein Interview mit Dr. Michael Bhatty geführt, dessen Umfang seinen Romanen entspricht: Einfach nur episch. Freundlicherweise hat er mir eine Menge an Material mitgeschickt, um dieses Interview ansprechend zu bebildern. Vielen Dank nochmal und nun: Nehmt euch ne halbe Stunde und viel Vergnügen!

Mit freundlicher Genehmigung von Dr. Michael Bhatty selbst!

AFP: Hallo Michael, danke dass du dir die Zeit für dieses Interview nimmst. Du hast einige Zeit – von 2000 bis 2005 - bei Ascaron gearbeitet. Daher fangen wir mal vorne an: Dein Lebenslauf liest sich sehr spannend, dazu kommst du mit unterschiedlichsten Medien in Berührung und lehrst seit 2010 als Professor Game Design – du hast eine Leidenschaft für Filme, für Literatur, Zeichnen und Photographie und eben auch für Games. Was motiviert dich dazu, dich in so vielen Bereichen auszutoben?

MB: Hallo Marc, hallo Community, ich habe als Kind immer gezeichnet und gemalt, habe vorm Fernseher gehangen, wenn Star Trek, Robin Hood, die Musketiere und andere Filme im Fernsehen liefen, und dann - mit 11 Jahren gab es mein Schlüsselerlebnis – denn da hatte ich Star Wars im Kino gesehen und wollte genau DAS auch machen: Fremde Welten erschaffen! In den 80er Jahren wuchs dann parallel zu meiner Leidenschaft für SciFi eben auch noch Fantasy, durch Conan – The Barbarian und insbesondere durch Pencil-&-Paper-RPG wie AD&D, in denen ich die erzählerische Interaktion für mich entdeckte.

AFP: Was waren deine ersten Berührungspunkte mit Computerspielen? Was war denn dein erstes System zuhause?

MB: Das war Anfang der 70er Jahre in diversen Restaurants, in denen man als Kind geparkt wurde, während die Erwachsenen „eben noch eine Rauchen“ wollten. Das waren damals teilweise noch mechanische Automaten-Games, bei denen man mit einem festmontiertem Gewehr auf bewegte Ziele schoss. Und Flipper natürlich. 
Die ersten Computerspiele an solchen Automaten waren in den 70ern dann Pong, Space Invaders und Lunar Lander (an die erinnere ich mich zumindest noch und quäle in den ersten Units meine Studenten damit, dass sie solche Titel in ein, zwei Stunden selbst erstellen sollen;-)
Das erste Game zuhause? Das war eine Spielkonsole, die mir mein Vater schenkte. Wie das System hieß, weiß ich nicht mehr, aber es war ein orangefarbenes Teil mit 4 Spielen plus Pistole, die man in ein Gewehr umbauen konnte (hmm, auch hier erkenne ich ein Muster als Shooter-Spieler ;-) (Anmerkung der AFP: Ich glaube, das war ein Magnavox Odyssey 100)

AFP: Was war dein erstes eigenes Game?

MB: Oha, das war ein rein textbasiertes (jaja, das waren die frühen 80er Jahre) Mondlande-Szenario, geschrieben in BASIC: Die Fallbeschleunigung wirkt auf die Raumkapsel und der Spieler muss seinen Treibstoff managen und durch Texteingabe entscheiden, bei welcher Geschwindigkeit er wieviel von seinem begrenzten Treibstoff fürs Abbremsen verwendet. Bist du zu schnell, zerschellst du usw. Das Ding war simpel – wenn du einmal den Bogen raushattest und wusstest, wann du welche Menge angeben musstest, dann klappte die Landung immer.
Das war so diese Zeit, als VC20, C64, Datasetten und Co. unglaublich viel Zeit kosteten. Während des Abis (ich hatte nichts Künstlerisches, wie die meisten erwarten, sondern Physik und Elektrotechnik als Leistungskurse und eben auch Fächer wie Mathe oder Informatik mit dabei) hatte ich dann mit meinem Sharp PC1401 eher mit kleineren Übungen zur Physik und zu Dialogsystemen experimentiert.
Dann kam nach meiner Querschnittlähmung mit 20 Jahren die Entscheidung, dass ich nicht Physik weiter studieren wollte, sondern bin dann letztlich auf Kunst und Literatur gewechselt und - jetzt kommen die Games wieder - während meines Studiums haben wir dann extrem viel gedaddelt: Wing Commander, Doom, Ultima, Privateer etc. und das führte dann zum einen zu meinem Promotionsthema Interaktives Story Telling im Bereich Medienwissenschaften und zum anderen zu meinem ersten bezahlten Job, bei dem ich ein erstes historisches (Proto-)Serious-Game namens Pax Westphalica produziert hatte. Pax wurde mit der Acknex-3-Engine geskriptet. Da hatte ich einen Job in der freien Jugend- und Eventarbeit und habe mit einer Handvoll Jugendlichen in 10 Monaten (d.h. in dem Zeitraum mit einem Nachmittag pro Woche) ein Game mit vier Leveln produziert, bei dem der Spieler im Jahr 1648 die Friedensbulle von Münster nach Osnabrück bringt. Wir mussten damals extrem viel improvisieren, weil ja keiner von den Jungs und Mädels wirkliche Grafiken machen konnten. Wir hatten Kostüme besorgt und die Walk-Cycle vor einem Blue Screen mit einer Kamera aufgezeichnet und dann einzelne Frames herausgenommen oder die Steinwände und Fassaden von historischen Gebäuden abfotografiert. Das Ding bekam in der Presse ganz schön Aufmerksamkeit, positive, wohlgemerkt, wenn man bedenkt, wie die Presse oft über Games berichtet. Die Pointe: keiner realisierte, dass es eigentlich ein Shooter war – nur eben mit einer Schussweite von zwei Metern, weil der Spieler mit einem Degen „schoss“.

AFP: Wie bist du dann zu Ascaron gekommen?

MB: Interessant, dass du das jetzt fragst, weil ich unlängst, kurz bevor ich deine Interviewfragen erhalten hatte, von den German Game Dev Days 2016 zurückkam und dort Ascarons Gründer und Geschäftsführer Holger Flöttmann in der ersten Reihe meines Vortrags „Directing Games: Gameplay ist nicht Spielmechanik“ saß und ich die Anekdote von mir gab, wie Holger und ich bei unserem Kennenlerngespräch über Harry Potter gefachsimpelt hatten. Holger und ich hatten danach ein langes, sehr freundschaftliches Gespräch über die von mir vorgestellten Entwicklungsmethodiken gehabt.
Ich hatte im Frühjahr 2000 eine Initiativbewerbung an Ascaron geschickt. Damals gab es bei Ascaron Sportspiele und Wirtschaftssimulationen. Da ich während meines Studiums einige Fantasy-Action-Filme produziert hatte, die auf Festivals gezeigt wurden, hatte ich angeboten, dass ich gerne einen Action-Bereich aufbauen würde. Meine Dissertation aus dem Jahr 1999 hatte ich beigelegt, die Presseberichte zu Pax wie auch zu meinen Fantasy-Kurzfilmen - und innerhalb von 24 Stunden hatte Holger mich angerufen und wir haben uns getroffen. Binnen weniger Wochen hatte ich dann meine andere Stelle (bei einem Berliner IT-Unternehmen) gekündigt und fing an, in Gütersloh mein Unwesen zu treiben :)

AFP: Deine ersten Meriten verdientest du dir bei Ascaron mit Ballerburg. Das Urkonzept stammte noch von Gerald Köhler. Was war deine Idee hinter diesem Spiel?

MB: Ballerburg war nur mein Aufwärmspiel bei Ascaron, da hatte ich gar nicht soviel mit zu tun gehabt, weil Gerald ja schon ein umfassendes Konzept mit Mechaniken, Menüs usw. geschrieben hatte und meine eigentliche Aufgabe ja war, Explorer zu designen, ein SciFi-3rd-Person-Action-Adventure für die PS One (worauf ich immer noch sehr stolz bin, ist, dass wir die SONY-Freigabe im ersten Durchlauf meines Exposés erhalten hatten – das war damals nicht üblich). 
Bei Ballerburg ging es mehr darum, das Team kennenzulernen, denn Game Design ist aus meiner Sicht ja eine kreativ-leitende Funktion, da natürlich jedes Teammitglied Ideen hat und somit auch mit-designt. Somit muss man die Chemie mit den Leuten prüfen, mit denen man künftig zusammenarbeiten wird. 
Zu Ballerburg:  Als ich im Frühjahr 2000 dort anfing, gab es das Konzept von Gerald Köhler, eine spielbare Version und eine Menge Assets, die aber noch nicht im Einklang waren. Das Schleifen zu langer Cutscenes und die Vereinfachung der Steuerung waren Bestandteile, die wir im Team angegangen sind. Ich erinnere mich noch daran, dass zu Beginn Schusskraft, Winkeleinstellungen usw. auf sechs Tasten aufgeteilt waren, statt wie am Ende auf vier. 
Rückblickend betrachtet, haben wir das damals gefühlt endlos diskutiert und es wurde nachher eine Lösung genommen, die bereits Monate vorher auf dem Tisch war.
Ich habe meinen Schwerpunkt ja im Bereich Action und hatte dann meinen Fokus verstärkt auf den Regieaspekt, hier in Richtung Spielgefühl gelegt: Wie muss es sich ‚anfühlen‘, wenn ich ein Katapult abfeuere, was machen wir mit der Kamera, wenn sie zum nächsten Geschütz rauscht usw. Was kann man rauswerfen, was ist cool und sollte drinbleiben, usw.

AFP: Ballerburg wirkt auf mich heute noch ein wenig wie „Zuviel gewollt“. Ein ellenlanges Intro, aufwändige Sprachaufnahmen und dazu viel Schmuck an einem eigentlich schmalen Spielprinzip. Heute würde ich dieses Spiel wohl dem Casual-Genre zuordnen. Dennoch – oder gerade deswegen? - gab es das Spiel noch lange im Playstation-Store für die PSP. Würdest du heute etwas grundsätzlich anders machen an Ballerburg?

MB: Ballerburg war ein Spiel, welches nach Geralds Ausscheiden zu EA eine tiefe Lücke im Team hinterlassen hatte. Der Game Designer ist ja nicht die Sekretärin des Teams, um Ideen zu notieren, sondern er lenkt und leitet das Spiel, welches es zu entwickeln gilt. Nach seinem Weggang hatte dann jedes Teammitglied neue und eigene Ideen eingebracht, die aber nicht immer unbedingt mit der Anfangsvision Geralds übereinstimmen mochten und eben auch nicht aufeinander abgestimmt waren – aber das ist ja nur natürlich, wenn der Visionär eines Projektes geht (da komme ich gleich nochmal zu). Der Chef der Programmierabteilung, Kay Struve, hatte dann aus der Not heraus die Projektleitung übernommen und war dann ganz froh, dass er jemanden dabei hatte, der sich um Look & Feel kümmern konnte.
Ich weiß noch, wie Kay mich nach dem ersten Teammeeting an die Seite nahm und sagte, dass wenn einer aus dem Team sagt, „Das geht nicht!“, würde dies bedeuten, dass derjenige entweder wirklich nicht weiß, wie eine Sache geht – oder einfach keine Lust dazu hat. Das ist etwas, was ich heute meinen Studenten auch immer noch erzähle (Danke, Kay). Eine der größten Lektionen für mich aus jener Zeit war: Ideen hat jedes Teammitglied, aber diese Ideen zu managen ist die Aufgabe des Game Designers. 
Auf jeden Fall würde ich heute bei jedem Titel vieles anders machen, z.B. mehr gleichwertige Aktionen und Reaktionen, um mit verschiedenen Taktiken zum Ziel zu kommen. Auch würde ich heute mehr Wert auf die unterschiedlichen Funktionen der einzelnen Waffensysteme und deren Upgrades legen. Und ich würde ich noch mehr Burgbelagerungstechniken einbauen, wie brennendes Pech über den Toren, oder Pioniere, die die Mauern schwächen oder einstürzen lassen können. Ganz wichtig dabei: Ich favorisiere den Ansatz, dass der Spieler Dinge entdecken soll, selbst herausfinden soll, wie er Spaß mit dem Game haben kann.
Aber wie gesagt, es immer sehr einfach zu sagen, was man denn anders machen würde, wenn man ein fertiges Spiel betrachtet.
Auf jeden Fall ist es ein Casual Game, ein Spiel für zwischendurch. Hmm, und eigentlich ist es ein schönes Thema; vielleicht quäle ich meine Studenten einmal damit <manical laugh>.

AFP: Du sprachst gerade von einem weiteren Spiel für die gute alte Playstation 1: Explorer. Wie selbst ich gestehen muss, höre ich zum ersten Mal davon. Kannst du uns ein wenig mehr zu dem Spiel sagen?

MB: Ein paar der Grafiken hast du bestimmt schon einmal gesehen, Anca Adelina Finta und Daniel Lieske hatten z.B. den Spielercharaktere und die biomechanische Kreatur entworfen, oder ich eben das (Dummy-)Raumschiff des Spielers, welches bewusst eben nicht organisch aussieht – ich tapeziere gerne die Wände mit Bildern, um meine Gedanken beim Design zu lenken.
Das ganze sollte ein SciFi-Action-Adventure werden, welches viele Methoden aus Games wie Turrican verwendete. Die biomechanischen Implantate, die der Spielercharakter mal mehr oder freiwillig erhält, helfen dann beim Lösen der Gegner- und Level-Rätsel. Die Gegner waren insektenartige Biomechanoiden, die im Spielverlauf die Verbündete/Geliebte in genau jene Kreatur verwandeln, die wir auf der Grafik von Anca sehen. Und natürlich versucht der Spielercharakter diese zu retten (oder auch nicht).

Konzeptzeichnungen von Anca Finta für "Explorer", welches nie über die Konzeptphase hinauskam.

AFP: Und aus welchem Grund wurde dieses Spiel nie entwickelt?

MB: Das war die Zeit des Massensterbens der Games-Firmen in Deutschland Anfang der 2000er Jahre. Dieses Massensterben kam ja nicht, weil die Entwickler schlechte Spiele produziert haben, sondern, wie oft daraus, dass Entwickler sich oft unter Wert verkaufen. Oft sind die Publisher stärker – und verdienen oft auch eher und mehr, als jene, die die Games eigentlich produzieren (das ist der Grund, warum ich meinen Studenten immer sage, dass wir „starke Entwickler“ brauchen). 
Ich vermute auch, dass die vielen Raubkopien, die damals in Spielerkreisen ja nur als „Kavalierdelikt“ verstanden wurden, sehr dazu beigetragen hatte. Das Geld fehlte für eine Entwicklung „from Scratch“ und zum gleichen Zeitpunkt trat ein anderes Team an uns heran, um ein Commandos-artiges Game zu produzieren, zu dem eine rudimentäre Techdemo existierte. Daraufhin wurde die Entscheidung getroffen, dass dieses Spiel schneller zu produzieren sei und Artefact wurde weiterentwickelt. Das Aus für Artefact, welches ja bereits auf der E3 mit Dummy-Cover und Screenshots angekündigt wurde, kam dann durch die Insolvenz im Jahr 2001. 

Szenen aus dem fertigen Intro von Artefact

Introszene "Artefact"

Screenshot des möglichen Spielgeschehens

AFP: Unter anderem hast du auch ein wenig an den WiSims von Daniel Dumont mitgewirkt. Jedenfalls lassen die „Special Thanks to“ in den Credits mehrerer Spiele darauf schließen.  Wie war die Zusammenarbeit mit ihm?

MB: Professionell. Daniel Dumont weiß was er tut und versteht es, handwerklich solide Titel zu produzieren, die ihre Zielgruppe finden.
Das mit den Special Thanks ist so eine Sache. Manchmal bekommst du die, wenn du im Studio sitzt und bei einem Kaffee Feedback gibst (in Daedalics Memoria stehe ich auch drin und da habe ich wirklich nicht mehr gemacht, als Carsten Fichtelmann auf einen Kaffee zu besuchen und ein paar freundschaftliche Worte mit Jonas Hüsges, Uli Wanitschke und Co. zu wechseln; Jonas hatte während eines Betriebspraktikums noch als Schüler in meiner Firma an einer TechDemo zu einem  Adventure-Game gearbeitet) - und manchmal bekommst du die, obwohl du weitaus mehr an einem Titel gemacht hast.
Zurück zur Zusammenarbeit mit Daniel Dumont: Daniel hatte irgendwann mitbekommen (ich glaube, das war zu Zeiten von Explorer oder Artefact, zwei große Titel, die leider nie das Licht der Welt erblickt hatten), dass ich das Flair in der Sprache ganz gut vermitteln konnte und bat mich zunächst, einige vorhandene Missionstexte einmal zu überarbeiten. Die Texte waren durchsetzt mit Auto-Navi-Floskeln wie „Segeln Sie nach XYZ“ und ich habe diese sprachlich mehr in die jeweilige Zeit versetzt. Nachdem ihm das gefiel, fragte er, ob ich nicht noch weitere Missionen schreiben könnte – und die Cutscenes, die leblos waren (das war… uff... Port Royale?) mit einem Monolog versehen konnte… gefolgt von dem historischen Teil in dem Port-Royale-Handbuch. 

AFP: Wie du sicherlich erwartet hast, kommen wir nun zu deinem Meisterstück Sacred. Du warst ja vorher schon bei Ascaron tätig, als ihr ein halbfertiges „Armalion“ von Ikarion aus der Insolvenzmasse kauftet. Wie kamst du dann ins Spiel? 

MB: Du weißt, dass es gefährlich ist,  geschlossene Wunden zu öffnen, oder? Auch hier nochmal: Die geistigen Väter von SACRED sind Projektleiter Franz Stradal und Aarne Jungerberg und ich; Aarne und ich waren die Lead Game Designer von SACRED und mein Fokus lag primär auf dem Singleplayer-Part (ich schreibe SACRED übrigens groß, weil ich es als Insidergag mit drin haben wollte, um etwas für die technomagische Auflösung in der Hand zu haben. Ich hatte die Vorstellung, dass es als Schriftzug auf einem abgestürzten Seraphim-Raumschiff stehen sollte, auf dem S.A.C.R.E.D. geschrieben stand (das war aber etwas, dass nur in meinem Hinterkopf war).
Halbfertig war Armalion übrigens nicht (das haben wir nur immer aus taktischen Gründen gesagt); der Geschäftsführer von Ascaron, Holger Flöttmann legte es mir zur Analyse auf den Tisch und sagte: „Guck mal, ob man etwas daraus machen kann!“ 
Es gab damals genau ein Dorf mit einer Miniquest mit Multiple-Choice-Optionen – letztere sind (rückblickend betrachtet) leider rausgeflogen. Das Dorf ist als Hommage in der Sumpfregion geblieben. Zudem gab es noch eine Handvoll Häuser, vor denen jene Figuren standen, aus denen später die DeMordrey-Soldaten wurden. Es gab also – schätzungsweise -  20% bis 30% an Game-Content  und verschiedene Assets, die in SACRED eingeflossen sind.
Doch was da war, war das immense Potenzial: Mein Feedback war, dass es wir eine große Chance für ein originäres Fantasy-Flair hatten, insbesondere weil wir hier Pferde hatten, mit denen das Reiten UND der Reiterkampf viel Spaß machen konnte.
Holger sagte dann darauf: „Dann mach ein Game daraus!“ 
Und hier fangen die Probleme an, denn dummerweise hatte er das NUR zu mir gesagt, denn am Anfang war es ein Kampf gegen Windmühlen, denn keiner wollte das Ding haben – ich schon. Sprüche, wie „von dem Kram verkaufen wir doch nicht mehr als 30.000 Einheiten“ usw. fielen von Publishing-Seite - und leider wusste vom Team in Aachen keiner, was ich für sie gekämpft hatte (doch, Franz später, als wir endlich befreundet waren). Genauso wenig wie ihnen nicht frühzeitig deutlich kommuniziert wurde, dass ich Lead Game Designer in Gütersloh war (eine zeitlang auch der interimsmäßige Creative Director). 
Das waren die Momente, in denen die ersten Störungen im System anfingen, jedoch erst später, mit jeder weiteren Iteration zu Tage traten.

AFP: Jetzt hörst du dich an wie ein gewisser Dr. Ian Malcolm auf einer mit Dinosauriern bevölkerten Insel... 

MB: Oh ja! Tatsächlich ist Michael Crichtons Roman „Jurassic Park“ bei meiner Physik-vorgeschichte auf fruchtbaren Boden gefallen und somit hatte ich mich dann eben auch mit den Grundlagen der Chaostheorie beschäftigt und festgestellt, dass ich einige Aspekte davon für Games adaptieren kann. Ein schönes Beispiel dafür, dass man als Games-Entwickler nicht nur auf Games gucken sollte, sondern eben immer über den Tellerrand gucken muss.

AFP: Zurück zu SACRED: Eigentlich lief die Entwicklung ja in Aachen, beim Studio II. Wie musste man sich die Kommunikation zwischen Gütersloh und Aachen vorstellen? 

MB: Nein, ‚eigentlich‘ verlief die Entwicklung von SACRED 1 in Aachen UND in Gütersloh, aber genau in der Aussage liegt das Problem, denn auch das ist dem Team in Aachen nie wirklich kommuniziert worden. Hier liegt m.E. auch der Ursprung des Untergangs, denn bereits damals fing eine Person an - die es geschickt verstanden hatte, sich strategisch in eine interne Schlüsselposition zu bringen - beide Teams mit unterschiedlichen Informationen zu versorgen und insbesondere Franz, Aarne und mich gegeneinander auszuspielen. 
Was mich (und vermutlich auch Franz) am meisten ärgert, ist, dass wir uns haben ausspielen lassen; Franz und ich haben übrigens mittlerweile ein sehr freundschaftliches Verhältnis und tauschen uns regelmäßig aus.
Am Anfang lief es noch ganz entspannt und wir hatten einen kreativen Austausch, aber mit fortschreitendem Projekt hatten Franz und ich beide den Fehler gemacht, nicht oder zu wenig direkt miteinander zu kommunizieren, sondern nur über E-Mails, bei denen man dann zum Teil den Tonfall falsch interpretiert -  oder schlimmer noch – über besagte Person, die das, was der jeweils andere gesagt hatte, ‚kreativ‘ ausschmückte oder zu ihren eigenen Gunsten abänderte. Vor dem Hintergrund falscher oder fehlender Informationen haben wir dann bei den wenigen direkten Treffen eher die Messer gewetzt, während die angeführte dritte Person sich ins Fäustchen lachte und sich schließlich als besonnener Retter und Mediator profilieren konnte.
Diese besagte Person konnte eine Sache sehr gut: Andere belabern. Wenn man lange genug mit der Person gesprochen hatte, glaubte man selbst, dass die eigene Idee eigentlich von der Person kam. Ein Beispiel: Auf einmal kam der E3-Teaser, den ich übrigens unbezahlt an einem Wochenende zusammengeschraubt hatte, nicht mehr von mir, sondern von der besagten Person. 

Oder ein anderes Beispiel: Ich sah einen Zettel, auf dem ich meine Logik für das Combo-System hatte, auf einmal im Papierkorb der besagten Person. Auf einmal schrieb die ihren Namen unter meine Dokumente und gab meine Konzeption als die ihre aus.
Aufgeflogen ist das Ganze natürlich, aber das war erst Jahre später, als besagte Person das auch bei jemand anderem getan hatte – und da war ich ja längst woanders.
Aber letztlich war es lehrreich, denn vieles, was ich heute meinen Studies beibringe, geht auf diese Zeit zurück: Weg von den E-Mails, die nicht den Tonfall vermitteln und hin zum direkten Gespräch. Kontrolle über das eigene Baby behalten und Vorsicht vor administrativen „Kriegsgewinnlern“.

AFP: Das klingt ja heftig. Wie habt ihr das beilegen können?

Wie? Zu spät! Franz und ich brauchten ungefähr fünf Minuten, um unsere Differenzen zu beseitigen, als er aus dem Projekt ausgestiegen war. Damals war SACRED 2 ja schon in einer Schräglage und Franz und ich hatten damals sogar unsere Hilfe angeboten, um den drohenden Untergang zu verhindern.

AFP: Ihr habt eure Hilfe für Sacred 2 angeboten? Was wurde daraus?

Gar nichts. Wir erhielten noch nicht einmal eine Antwort. Aber das Sacred 2 scheitern würde, war klar. Die brutale Wahrheit für all jene, die immer propagieren „Jeder ist ersetzbar“: Nein, denn wenn Franz und ich ersetzbar gewesen wären, hätte ein Sacred 2 ja geklappt (vor allem nach der funktionieren Sacred-1-Vorlage).
Aber wie dem auch sei, ab da hatten Franz und ich oft über unsere eigenen Projekte miteinander gesprochen und 2012 hatte ich ihn eingeladen, einen Vortrag an der Hochschule in München, an der ich lehrte, zu halten, was bei den Studies sehr gut ankam, weil Franz natürlich eine unglaublich kreative Seele ist. 
Um es deutlich zu sagen: Mit Franz Stradal - ich halte ihn für einen ausgezeichneten Game Designer und Medienkünstler -  und vielen anderen aus dem Aachener Team würde ich jederzeit wieder zusammenarbeiten, genauso wie mich mit vielen aus Gütersloh ja heute noch eine sehr freundschaftliche Ebene verbindet. So haben die beiden Grafiker Anca Adelina Finta und Daniel Lieske ja beide viel Bildmaterial zu meiner Kyle-Saga erstellt. Das Cover des ersten Romans stammt ja sogar von Daniel.

AFP: Bei Sacred bist du in den Credits gefühlt omnipräsent, wenn man sich das Handbuch der Erstauflage so ansieht. Armalion basierte ja auf dem Pen&Paper-Rollenspiel „Das Schwarze Auge“, dessen Lizenz ihr nicht übernommen hattet. Ich stelle mir daher vor, dass du einer in Grundzügen vorhandenen Welt nun Leben in Form von Geschichte, Legenden, Mythen und Personen einflößen musstest. Wie gingst du dabei vor?

MB: Dass ich omnipräsent in den Credits bin, hängt damit zusammen, dass mein „Regieansatz“ in jener Zeit noch nicht in den Köpfen war – also wurde aufgezeigt, was man (hauptsächlich) alles gemacht hat. Heute würde ich vermutlich einfach als „Game Director“ drinstehen.(Anmerkung der AFP: In den Handbüchern, die man nun als PDF bekommt stehst du tatsächlich einfach unter „Game Design“).
Zum zweiten Punkt deiner Frage: Auch dies war anders. Es gab, wie gesagt, anderthalb Dörfer und ich fing an, die Welt von Grund auf neu zu designen. Ich guckte mir an, was wir an Assets hatten und wie man diese einsetzen könnte. 
Franz sagte beispielsweise irgendwann, dass die Barbaren-Figur, die später Prinz Valor sein würde, besser ein NPC sein sollte und wir neue Spielerfiguren bekommen würden.
Seine Frau Freddy setzte die Figur der Baroness Vilya mit roten Haaren und grünem Outfit um (auch dies ist ein Insider-Gag, da meine Frau, als ich sie kennenlernte, kastanienrote Haare und grüne Kleidung getragen hatte – Oh, und ihre Diablo-Bogenschützin hieß Vilya).
Wie dem auch sei, ich konnte also frei mit den NPC und neuen Spielercharakteren konzipieren, hatte das Chaosparadigma, das Erzählkonzept aus meiner Dissertation, an der Wand hängen und trug munter Events und Encounter als Notizen ein. Ich musste eben verschiedene Fragen beantworten, z.B. wie sollte die Heldenreise aussehen? Welche Monster lebten wo? Welche Gebiete durchläuft der Spieler, der ja Stufe um Stufe aufsteigt, und wem begegnet er  wo? 
Wie sollten die Level das Flair widerspiegeln, denn die Level müssen ja mit der Spielmechanik korrespondieren, und welche Figur hatte welche dramaturgische Funktion uvm.

Ich sprach auch viel mit anderen Entwicklern, damit wir Ideen abgleichen konnte – und plötzlich kam die besagte Person an und fragte irritiert: „Warum hängst du immer bei den Musikern herum? Du bist doch Game Designer?!“, gefolgt von „Warum hängst du immer mit den Grafikern rum, du bist doch Game Designer!“
Wir hatten zunehmend viele erbitterte (und laute) Gefechte und ich verteidigte meinen Regieansatz als Lead Game Designer und eben nicht als „Spielmechaniker im Blaumann“. 
Das ist auch das, was ich heute lehre: Ich sehe die Aufgabe des Game Designers darin, die Ideen aller zu managen und die Vision zusammenzuhalten, die funktionalen und dramaturgischen Arbeitsaufträge zu formulieren, sie in der Kommunikation mit dem Team zu vermitteln und den projektspezifischen Rahmen abzustecken und nicht zu überschreiten: Directing Games!
Unterm Strich: Wenn’s um ein Projekt geht, dann kann ich eben auch zum „Pain in the ass“ werden. Trotzdem – es war notwendig und der Erfolg von SACRED 1 gibt Franz und mir Recht.

AFP: Sacred ist voll mit Humor und Insiderwitzen. Auch Ballerburg war in der Hinsicht proppevoll mit Gags und nahm sich nicht ernst. Im Gegensatz dazu steht z.B. Patrizier 2 oder Port Royale, die mit solchen Späßchen eher wenig aufwarten. Sind das deine Spuren, oder wuchs das im Projektteam?

MB: Diese Sachen sind durchweg im Projektteam entstanden. Die Goblin-Laute wie „Schniepel“ waren, wenn ich mich Recht erinnere, ein Alleingang unseres Sound-Designers. Sie kamen aber gut an und blieben drin. Von mir sind nur einige Insidergangs wie Grabsteininschriften für ein paar ausgewählte Freunde wie Tom Putzki (damals Phenomedia, heute Wargaming), ein paar Sprüche wie „Wer glaubt, das Projektleiter Projekte leiten, glaubt auch, dass Zitronenfalter Zitronen falten“ (bezog sich übrigens nicht(!) auf Franz) oder auch bestimmte Items, die eine besondere Bedeutung für mich hatten, z.B. das Questitem mit dem Collier, bei dem zwei Steine fehlen (die Musketiere lassen grüßen).

AFP: Aufgrund des Erfolges von Sacred war schnell klar: Das Spiel wird fortgesetzt. Auch das Erscheinen eines AddOns war irgendwie klar. Allerdings warst du nicht mehr daran beteiligt. Wie kam es dazu? Man sagt ja immer so schön „es gab unterschiedliche Ansichten in der weiteren Ausrichtung“...

MB: Um Indiana Jones zu zitieren: „So kann man es auch nennen.“ 

Die besagte Person hatte ganze Arbeit geleistet: SACRED 1 war fertig und viele sprachen nicht mehr miteinander. Holger teilte uns dann mit, dass die Produktion von AddOn und SACRED 2 künftig nur noch in Aachen stattfinden würde und die Gütersloher Teammitglieder dorthin umziehen würden.
Ich weiß noch, dass er meine Frau und mich abends besucht hatte (wir hatten gerade ein Haus in Gütersloh gekauft) und wir bei einer Flasche Rotwein darüber sprachen, dass ich ein neues Tortuga designen wollte, diesmal zusammen mit Daniel Lieske, mit dem mich noch heute eine kreative Freundschaft verbindet.

AFP: Für mich wesentlicher Kritikpunkt am AddOn Underworld war die fehlende Durchgängigkeit von alter zur neuen Welt. Es fühlte sich einfach nicht mehr an wie das Ur-Sacred. Hast du noch die Planungen des AddOns mitbekommen?

MB: Ja, ich weiß, dass es sich nicht so anfühlt und ja, es gibt diverse Dokumente; ich fing ja bereits 2002 mit den ersten Ideen für „Lord 2“ an, wie der Titel hieß, bevor Steve Manekeller irgendwann auf den Editor-Splash-Screen „SACRED“ geschrieben hatte. LORD war ein vom Marketing vorgegebener Titel und bedeutete „Land of the Raging Demon“. Wir Entwickler mochten den Titel gar nicht, aber es war zwecklos, den Leuten zu erklären, dass der Dämon nur eine Art Klammer war und es mehr „Zwiebelschichten“ wie den Erzählstrang über den Kampf gegen den faschistoiden Baron oder die Dunkelelfen gab. 
Und natürlich gibt es noch mein  Add-On-Exposé. Dort steht drin, wie ich all die Sachen, die ich in SACRED 1 vorbereitet und mit dem „to be continued“ angeteasert hatte, auflösen wollte.

AFP: Magst du uns erzählen, was du eigentlich vorhattest?

Gerne und ich denke, jetzt, nachdem es Ascaron nicht mehr gibt und 10 Jahre nach SACRED 1 vergangen sind, sowie SACRED 2 und SACRED 3 ihren Lebenszyklus hinter sich haben, kann ich durchaus berichten, wie ich mir die Auflösung von SACRED 1 vorgestellt hatte (der letzte Stand ist aus meinem SmartAddOn+-Exposé „Broken Crown“ vom 10. März 2004):  

Warum übrigens SmartAddOn+? Meine strategische Idee war, dass man nach dem AddOn ein SACRED Gold (nicht das, welches dann herausgegeben wurde), bestehend aus SACRED 1 und SmartAddOn als „Director’s Cut‘ auf den Markt bringt und den neuen Charakter des Zwergen ab dem Schönblick-Start in SACRED 1 einbringt.

Meine AddOn-Variante sollte dann direkt nach dem SACRED 1-Ende beginnen, bei dem ja verschiedene Dinge passiert sind. Zunächst hat der Spieler das Herz von Ancaria wieder hergestellt und die Reste der Untoten werden durch die Seraphim-Satelliten (die jetzt durch die Energie des Herzes wieder aktiviert wurden; das weiß der Spieler aber noch nicht… genausowenig, wie er weiß, dass noch andere Seraphim-Einheiten aktiviert wurden).
Aber zurück zum Herz: Wer aufgepasst hat, weiß, dass das Herz ja durch Shaddars dämonische Bosheit verseucht ist und somit kippt das schöne blaue Herz wieder um – und überall dort in der Welt, wo wir diese Ahnenschrein-Steinkreise finden, schießen nun gigantische rote Kristallfragmente aus dem Boden hervor,  versetzen die Region ins Zwielicht und speien ihre untote und dämonische Brut aus. Der Spieler kann also jede Region mit neuem Setup neu entdecken und befreien.

Hier das oben beschriebene Beispiel der Steinkreise

Weitere Eindrücke des Konzeptes

Die nächste Ebene betrifft Vilya und Valor. Nach Valors Tod (und bei mir bleibt Prinz Valium tot) ist das Reich ohne Regenten. Auch hier wieder – wer aufgepasst hat, weiß, dass Vilya laut Erbfolge den Anspruch auf den Thron hat – und der Spieler setzt die charmante Vilya schließlich als Herrscherin von Ancaria ein, verhindert die Invasion der neuen Gegner der Eiselfen unter der Herrschaft der diabolischen Druusa DeMordrey; die DeMordreys haben ja eine Allianz mit den Elfen von Zhurag-Nar und hier kommt die nächste Ebene.

Idee der Druusa DeMordrey

Reitende Gegner

Das Spiel selbst sollte auf der Pirateninsel Norinor beginnen, die mit Piraten und Echsenmenschen bevölkert ist. Hier trifft der Spieler auf alte Bekannte wie Vilya, den Magier Alcalata und den goldenen Drachen Loromir (und Shaddars übergelaufene, lustig-nervige Goblinzauberer Ruka und Anur – die beiden aus dem Intro).
So, während er Spieler also nun jede bekannte, aber neu inszenierte Region bereinigt, kommen wir jetzt mehr und mehr zum Kriegsszenario, denn um das Herz vom Shaddars böser Seele zu befreien, müssen wir die alten Seraphim-Anlagen der Vorzeit finden, jener Ort, in denen das Herz von Ancaria während er Kriege vor 40.000 Jahren aufgeteilt wurde.
Der Haken: Diese Festung befindet sich in den Händen von Druusa DeMordrey – und die sadistische Schwester des Barons will als „Schwarze Seraphim“ ihrerseits die Macht an sich reißen und mobilisiert ihre ganz eigene Streitmacht.
Durch Regionsbefriedungen muss der Held sich neue Verbündete schaffen, zu denen eben auch die Orks und die Dunkelelfen von Zhurag-Nar gehören.
Und endlich ist der Held in den alten Klonanlagen der Seraphim (die Seraphim sind ja alle Klone, was die wenigen lebenden Seraphim aber nicht mehr wissen), erhält seine Armee und kann nacheinander Eiselfen und Druusa besiegen und Shaddars Seele aus dem Herz befreien.

Soweit die Kurzfassung, aber ich wollte noch mehr machen, so sollten die abweichenden Individual-Quests, insbesondere der Vampir-Lady oder des Dunkelelfen, die der Schere zum Opfer gefallen sind, mit rein, die Gegner-KI sollte mit echten Rudel- oder auch Rammattacken verbessert werden, der Reiterkampf, bei dem der Gaul mit den Vorderhufen steigt und nach hinten ausschlägt mit rein, neue Regionsbossgegner usw.

Das Interface für Kompassnadel und Gegner-Healthanzeige wollte ich optimiert haben (das ist, glaube ich, teilweise übernommen worden). Wie gesagt, fertige Konzepte gab es zuhauf. 
Was ich gerne noch mit drin gehabt hätte, wäre mein Character-Tuning gewesen (ich hatte es immer als BarbieAddOn bezeichnet), also die Personalisierung von Kleidungsstücken mit mehr Farbvarianten und mehr Hautfarben, sprich, das, was dir Games wie Fallout oder Witcher heute bieten. 
Ich habe AddOn und SACRED 2 nie gespielt, aber ich hörte, dass irgendjemand die ein oder andere Idee zu Interface, Gegnern oder Regionen aus dem Zusammenhang gerissen wurde und mit „verwurstet“ hatte. 

AFP: Was ist aus heutiger Sicht dein größter Kritikpunkt an Sacred? Und was der größte Pluspunkt?

MB: Die größten Kritikpunkte hast du ja schon angeführt. Aus meiner Sicht, hätten die Vorschläge im AddOn aus dem veröffentlichen SACRED mit AddOn eigentlich das richtige SACRED gemacht. Gerne hätte ich all die Dinge drin, die ich nun in Titeln wie dem Witcher sehe: Ein richtiger Kampf zu Pferde, erwachsene Welten (mir hat man ja z.B. die Huren in den Städten rausgestrichen, weil man Angst hatte) – ja, genau (deswegen sind dort jetzt „Blumenmädchen“ drin). Aber, liebe Wasserköpfler: Lauft mal im Witcher durch Novigrad…
Der größte Pluspunkt? Ich könnte jetzt die epische Größe der Welt, die sich nicht hinter Diablo, Witcher und Co. verstecken muss, anführen, denn in der Welt hätte man noch viele andere nette Dinge tun können.
Aber das was SACRED 1 auszeichnet, ist Feuer und Leidenschaft, die wir trotz großer Kämpfe haben einfließen lassen können. Ich glaube diese Leidenschaft hat das Magische, das Besondere, dass aus einem handwerklich soliden Titel etwas Besonderes macht. Ich sage das Gleiche, was ich damals gesagt habe: Ohne Franz und mich war SACRED zum Untergang verurteilt. Diese für administrative, logisch denkende Personen schwer greifbare Magie ist personenabhängig…

AFP: Noch vor dem Release des AddOns für Sacred wurde Tortuga angekündigt. Warst du zu Beginn daran beteiligt?

MB: Ja, „unser“ Tortuga, d.h. von Daniel Lieske, Hendrik Grüne und von mir, war ja diese charmante Piratengeschichte mit dem afrikanischen Sklaven, der zur Zeit des Dreieckshandels verschleppt, von Piraten in der Karibik befreit und dann selbst zum Piratenkapitän wird (soweit das Intro; das Dummy-Storyboard mit der Musik von Andreas Adler findet ihr hier: https://www.youtube.com/watch?v=AqT2623l2fI)
Danach hatten wir den Spieler ja in ein Spannungsfeld aus Schatzsuche, Intrige, Rache und zwei hinreißenden Frauen geworfen, die für diesen Midprice-Titel (Midprice ist/war das Segment bis ca. 30,00 €) durchaus charmant war, da sie das Pirates-of-the-Caribbean-Flair bedient hatte – ohne eben den nächsten Johnny-Depp-Klon abzuliefern.

Soweit zur Handlung, doch spielerisch hatten wir ganz andere Baustellen: Für den Tortuga-Titel sollten wir ja das Material aus dem Vollpreis-Titel Port-Royale verwenden. Der Knackpunkt: Ich habe keine Ahnung von WiSims, ich spiele sie nicht, sondern ich bin ein Action-Designer – und genau das habe ich auch gemacht.
Wir hatten für Fecht- und für Seeschlacht zwar die Assets aus Port Royale verwenden müssen, aber jeweils eine völlig neue Logik für Steuerung und Kamera eingebaut.
Die Logik im Fechtkampf basierte auf dem Erlangen des Treffervorrechtes, wie beim Florett-Fechten (ich war eine Zeitlang Degenfechter). Der Spieler startet in der Verteidigung und erkämpft sich die Möglichkeit, dem Gegner Schaden zuzufügen. 
Die Seeschlacht wollte ich cinematischer haben, d.h. die Kamera dichter an die Schiffe. Die Schiffe sollten langsamer sein, aber schwer zu beschädigen. Also hatte ich das Topdown-Prinzip von Daniel Dumont verworfen und ein actionreicheres designt, dass dieses Flair aus den Filmen hatte: Schwere langsame Schiffe, die sich ausrichten müssen, dann Feuersalven, die ungenauer sind, je ungeübter deine Mannschaft ist, usw. 
Wie kam es an? Ich zitiere unseren Team-QAler Roman Grow: „DAS ist die beste Seeschlacht, die ich je in diesem Haus gesehen habe!“ Dummerweise hatten das dann auch verschiedene andere Gestalten gehört und das Hauen und Stechen fing wieder an.

AFP: Tortuga war ja kein sonderlich straff durchgezogenes Projekt, sondern wohl voll mit Problemen. Die erste Releaseankündigung war 1. Quartal 2005, tatsächlich erschien das Spiel erst zwei Jahre später – und zwar soweit ich weiß, ziemlich anders als ursprünglich angedacht. Auch wenn du Ascaron dann bald verlassen hast: Zeichneten sich bei Tortuga diese Probleme schon früh ab?

MB: Naja, das Tortuga von Hendrik Grüne, Daniel Lieske und mir war – bis auf ein paar Cutscenes zu 80% fertig und brauchte „nur“ noch etwas Tuning in den Werten. 
Ich wollte sogar den ganzen Wisim-Kram rauswerfen und den Fokus auf Seekämpfe, Fechtkämpfe, und das verkaufen von Beute setzen, um Schiffe auszustatten. Also mehr ein Privateer in der Karibik.
Unser Tortuga-Titel hätte Mitte/Ende 2005 in den Läden stehen können, doch plötzlich trat wieder besagte Person auf, die uns schon bei SACRED sabotiert hatte und zeterte „Ich will keinen Nigger spielen!“ 
Wir waren ob dieses Rassismus fassungslos. Das ging aber noch weiter – die besagte Person hatte alsbald den Ruf, eine „Gestapo“-Abteilung aufzubauen – und plötzlich wurden Kommunikationswege beschnitten, die Gespräche, die ich bei SACRED vor Presse und Investoren geführt hatte, wurden auf einmal unterbunden. Ich erinnere mich daran, dass „plötzlich“ der Konferenzraum ins Obergeschoss verlegt wurde, damit ich ihn mit dem Rollstuhl nicht mehr erreichen konnte.
Immerhin gab es einen Flurfunk, sodass wir von den Freunden, die wir natürlich auch in den einzelnen Teams hatten, vor den nächsten Machenschaften gewarnt wurden. Aber das war dann nur noch Schadensbegrenzung. Ich weiß noch, wie ich Holger sagte, dass die besagte Person in eines Tages seine Firma kosten wird. Leider habe ich Recht behalten.

AFP: Nach einigen Jahren im Spielebusiness bist du ja nun als Professor an der Mediadesign Hochschule in Düsseldorf tätig. War dies eine Entscheidung für das Lehren oder gegen die Spielentwicklung und wie kam es dazu, dass du Dozent wurdest?

MB: <lacht> Es war eine Entscheidung FÜR die Spieleentwicklung und für hochwertige Games! 
Abgesehen davon, dass ich als Professor (!, nicht Dozent) besser verdiene, kann ich ganz andere Stellen aus Forschung, Wirtschaft und Politik bedienen und unsere schöne Medienform vorantreiben, sprich, für „starke Entwickler“.

Als der Anruf kam, war es einfach der richtige Zeitpunkt (2004, als wir gerade mit Tortuga anfingen, hatte ich eine Game-Design-Professur in der Schweiz abgelehnt). 2010 hatte ich als Game-Design-Consultant (z.B. für Frogster, Travian, Braingame) und als Games-Roman-Autor (FarCry 1 & 2, Runes of Magic-Trilogie) gearbeitet. Die MHMK sagte mir dann, sie hätte mich über einen Headhunter gefunden und als der Anruf kam, ob ich nicht eine Professur für Game Design in München haben wollte, war das eine unglaubliche Ehre. Und es war die Gelegenheit, etwas weitertragen zu können. Böse gesagt: „Now I am legion!“
Denn eines muss man sich vor Augen führen: Nicht jeder wird zum Professor ernannt. Dazu muss man einiges an Unterlagen und Belegen einreichen, die genauestens geprüft werden. Und dass ich auch noch die Prüfung des bayrischen Ministeriums bestanden hatte, freut mich umso mehr.
Ich sehe es als Belohnung für all die Dinge, die man geleistet hat (und das war ja ein bisschen mehr als ‚nur‘ SACRED).
Wie kam es dazu? Bereits nach meinem Studium hatte ich erste Kurse in Anglistik und Medienwissenschaften an der Universität Osnabrück gegeben. 2001 folgte dann, zusammen mit Gerald Köhler, der da ja damals schon bei EA war, und Stephan Reichart, die Arbeit am Curriculum der ‚it akademie ostwestfalen‘. Ab 2005 war ich an der Games Academy Berlin und der BitS Iserlohn als Dozent und Gastvortragender tätig.

AFP: Wie wird denn dein Game-Design-Ansatz wahrgenommen?

Jetzt haben wir wieder den Bogen zu den GameDevDays, bei denen ich Holger traf. Er zeigte sich beeindruckt und nannte das Ganze fundiert. Oder ich zitiere Carsten Fichtelmann, CEO & Founder Daedalic Entertainment GmbH, der hat es so 2013 ausgedrückt: „[…] Erfahrung zeigt, dass erfolgreiche Spiele nur durch die Beteiligung hervorragender Generalisten entwickelt werden können. Sie gewährleisten, dass die Zusammenarbeit mit dem Entwicklungsteam wie auch mit den Schnittstellen zu Marketing und Vertrieb optimal funktioniert. Die Studienrichtung Game Design […] unter Leitung von Prof. Dr. Michael Bhatty fördert genau diese Allrounder-Qualität – ohne darüber Möglichkeiten der Spezialisierung innerhalb des Studiums zu vernachlässigen. Wir sind deshalb sehr froh, dass wir einen Topabsolventen der Game-Designer der Hochschule […] als Projektleiter für uns verpflichten konnten.“
2013 bin ich dann an die MD.H in Düsseldorf gewechselt. Das Curriculum dort gab noch mehr Möglichkeiten für echtes Game Design her und mir macht die Arbeit mit jungen Studenten, wenn sie denn hungrig sind und auch mal querdenken können, unglaublich viel Spaß.

AFP: Bemerkenswert ist, dass dein Anteil in den Ascaron-Spielen deiner Ludografie keine Anstoss-Spiele beinhaltet und dass du viel Text-Arbeit geleistet hast (im Handbuch in Port Royale z.B.). 

MB: Ich glaube, ich habe einmal einen Nachmittag Guido Eickmeyer bei Anstoss Action mit irgendwelchen Sachen geholfen, aber was das war, weiß ich nicht mehr. Auf jeden Fall hatte mir Guido ein Anstoss-Belegexemplar hingelegt (was man bei beim SACRED AddOn und bei SACRED 2 oder auch Tortuga nicht für nötig gehalten hatte – und da ich gesagt hatte, dann verdient ihr an mir auch nicht einen Cent mehr, habe ich diese beiden Games nur auf Youtube gesehen – oder eben von Spielern davon erzählt bekommen).

AFP: Wenn du noch spielst: Was spielst du im Moment? Ist noch Zeit für Spiele am PC oder steckst du deine ganze  Energie in deine Kyle-Saga? Denn Schreiben scheint deine Passion zu sein, immerhin hast du ja auch ein paar Romane geschrieben. Was erwartet uns daher als nächstes von dir?

MB: Die Arbeit als Prof erlaubt leider wenig Zeit zum Spielen, somit wähle ich die wenigen Titel, die ich mir nicht einfach als Video angucke, genau aus, aber eben eher, um diese zu analysieren. Das ist der Fluch eines jeden Game Designers – man hinterfragt die Strukturen sofort. 
Am PC spiele ich gerne StarCraft II, doch mittlerweile habe ich die PS4 für mich entdeckt – und da sind meine Favoriten solche Games wie Witcher III, World of Tanks und Fallout 4. Das hängt dann wieder damit zusammen, dass dieses Titel sind, die viel Stoff für meine Game-Design-Studenten enthalten.
Hier schließt sich ein Kreis, denn jetzt kann ich als Mentor die nächste Generation Action, Fantasy und Science Fiction entwerfen lassen.
Ich selbst tue dies nun in meiner Kyle-Saga (www.kyle-saga.de), wenn ich denn Zeit habe. Das Schreiben geht aufgrund meiner beruflichen Einbindung ja nur langsam voran, aber dafür ist die Welt rund und in jeder Nuance durchdacht. Dies ist eine Befreiung, denn hier kann ich erwachsene Fantasy-Welt gestalten, in der ich ohne Zensur die Kontrolle über das habe, was ich designe. Und wer weiß, vielleicht wird daraus ja auch irgendwann einmal ein Game oder ein Film. Warten wir es ab.
Als nächstes kommt – sobald ich gesundheitlich wieder mehr auf der Höhe bin – der zweite Band der Kyle-Saga; die Welt, die er in „Kyle – Im Kreis des Wassers“ entdeckt, wird größer und wir werden neue Landstriche, neue Gegner (und neue Verführerinnen) kennenlernen. 

AFP: Stichwort „Kreis schließen“: Ein Teil des ehemaligen Studio II beschäftigt sich ja mit Unbended, ursprünglich als „Unsacred“ gestartet und damit ist vom Namen her klar, wessen Geistes Kind es sein soll.  Als letzte Frage daher: Wäre Unbended nicht ein gute Gelegenheit, ein paar „To be continued“-Features aus der Vergangenheit abzuschließen? Diese ganzen Cliffhanger müssen doch endlich mal geklärt werden...

MB: Sicherlich, aber Unbended sehe ich als Franz‘ Baby an. Unbended ist aus meiner Sicht ein „Firefly“-Statement; sprich, ein Indie-Signal, das zeigt, dass es noch starke Entwickler gibt, die sich nicht unterkriegen lassen. Das hat also nichts damit zu tun, ob ein Titel letztlich produziert wird oder nicht, denn der Markt ist so vielfältig, mittlerweile international so groß, dass die Wahrscheinlichkeiten für die engen Produktionszeitfenster sinken. 
Und zu den ganzen Cliffhangern: Tja, wie soll ich es sagen? Das Ganze ist „eine Reise“ und somit werden wir nie die vollständige Auflösung erfahren. Aber wir erfahren die Puzzlestücke und wenn wir in der „Resonanzzone“ sind, wir also irgendetwas aus dem Ding zurückerhalten, dann ist es egal, ob es ein Game, eine Graphic Novel, ein Film, eine TV-Serie oder eben auch ein Roman ist. 
Ein Beispiel für eine solche Auflösung: So findet sich z.B. eine Anspielung oder Hommage an Artefact in meinem FarCry2-Roman. Dort fliegt die Protagonistin eben auch mit einer Ju-52. 
Kurz gesagt: Es ist der Stil des medienschaffenden Künstlers (und ja, damit meine ich auch „echte“ Games-Entwickler), den man dann eben mag (oder sich mit etwas anderem beschäftigt). 

AFP: Vielen Dank für deine Zeit, Michael. Wir wünschen dir weiterhin alles Gute und Gesundheit!